Ответ: Зависит от того, чем ты занимаешься. В идеале, надо свободно владеть обеими программами.

------------------------------------------------------
Шоп.

Преимущества:

1. На порядок удобнее работа со слоями, выделениями и масками.
2. Удобные средства редактирования цвета.
3. Высокая производительность при работе с диском.
4. Нелинейный history.
5. Удобная работа с текстом начиная с шестой версии.
6. Огромный выбор плагинов.

Недостатки:

1. Простые кисти без настроек.
2. Рисование только методом лессировки по прозрачности.
3. Невозможность повернуть лист.
4. Нельзя вытянуть рисунок из-за края экрана к центру.
5. Начиная с шестой версии измененный алгоритм Color Godge потерявший смысл в использовании.
6. Традиционная ошибка в работе интерполяции при работе free transform.
------------------------------------------------------

Паинтер

Преимущества:

1. Наличие очень мощного конструктора кистей.
2. Смешивание цветов.
3. Возможность вращать основу.
4. ОГРОМНАЯ скорость работы блендеров.
5. Поддержка Brush Tracking.
6. Наличие нелинейного и продцедурнонезависимого Free Transform.
7. Продцедурные слои.
8. Поддержка большинства плагинов Шопа.

Недостатки:

1. Отвратительная работа с кешированием.
2. Очень неудобно редактировать маски и выделения.
3. Для сложных кистей требуется достаточная производительность.

Эти два пакета дополняют друг друга. Если в двух словах: Паинтер это рисование, а Шоп - редактирование того, что нарисовано. Лучше знать оба.

Вопрос: У меня WACOM Intuos2 A6. Рисовать толком не умею. Но хочу научиться.
При работе с планшетом заметил, что волей неволей опускаю руку и пытаюсь что-то рисовать движениями пальцев. Конечно получается криво. В связи с чем вопрос:
- Правильно ли я понимаю, что руку нужно держать на весу или как вообще с планшетом работать, чтоб и рисунок нарисовать и рукава об стол не протереть?

Ответ: Сразу скажу, что преимущества планшета Intuos только в поддержке разных перьев и точности давления пера. На практике же, нет никакой разницы между его собратом Volito или Graphire. А вот цена вторых намного ниже. Поэтому если у тебя будет возможность, посмотри на эти альтернативные модели и сравни удобство.

Это лирика...

Что касается правильности работы, то тут нет ничего, кроме удобства, которое ты сам себе выбираешь. У меня, к примеру, лапы всегда лежат на планшете. Я уже настолько свыкся с ним, что даже мышью перестал пользоваться. В общем, единственный совет - как удобнее, так и нормально. На все кроме пера самого планшета никакой реакции не будет.

Есть сенсорные тактильные планшеты, но они такие дорогие, что можно не думать о том, что они есть в этом мире. И чаще используются для медицинских устройств. Например, ими снабжаются современные компьютерные томографы. Для художников остаются традиционные индукционные планшеты с перьями.

Вопрос: На коробочке моего планшета написаны его бенефиты по сравнению со вторым графиром. Одним из пунктов значится pen tilt, который не указан у графира. Так ли это? Мой друг хочет себе преобрести графир - хотелось бы все таки знать, работает ли там наклон пера?

Прежде чем покупать свой планшет, я баловался с Genius и сразу заметил, что неудобно то, что нужно держать перо все время вертикально. Себе модель я выбирал по совету друга-дизайнера. Поддался влиянию

Ответ: Друг совершенно прав. Если есть возможность купить Intuos, то надо его брать. У Intuos, действительно, есть наклон пера. Производитель вводит покупателя в заблуждение, якобы приводя это в достоинство. На практике, за всю историю моей работы мне это ни разу не помогло. Я даже узнал о существовании наклона уже после того, как привык планшету. У меня в то время была модель Ultra Pad. Так вот перейдя на нее с Art Pad, я даже не заметил разницы.

Это не означает, что перо не будет работать если его наклонить. Просто наклон не будет чувствовать драйвер, а через него - программы. Между делом, кроме паинтера с Tilt никто раньше не работал, так что люди велись на рекламу, а реально оно просто не работало, если человек не рисовал.

Еще у Intuos 1024 градаций давления, против 512, но ни один из моих знакомых так и не смог почуствовать разницы. Я специально проверял. Я бы при покупке доплатил немного и купил Интуос сразу размера А5. Или остановился на Graphire. Все таки он стоит вдвое дешевле.

Вопрос: Здравствуй дорогой и любимый Анри! Пишет тебе твоя бабушка... Шютка.
Мы с тобой по мылу переписывались недавно. Помнишь? У меня к тебе такой вопрос будет. Какой blender ты используешь в Painter'e? Он у тебя вроде бы похож на Grainy Water, но не он. Это точно. Я вроде бы все перебрал, но не могу найти тот, который у тебя. Можешь подсказать?

Ответ: Хехе. Привет и тебе, Бабуля.

Я работаю Just Add Water. С некоторыми минимальными настройками в пределах прозрачности реакции к давлению. Обычно мне хватает того, что в Brush Tracker.

Вопрос: Здравствуйте Анри, а не могли бы вы назвать основную кисточку, которой рисуете? Если это не секрет мастера конечно

Ответ: Нет, это не секрет. Я работаю Round Camelhair. Обычно изменяются только параметры Opacity, Size и Feature (расстрояние между ворсом). Кисть очень удобная, на мой взгляд. Во-первых, она тянет за собой краску. Мне нравится, когда цвета смешиваются и нет необходимости долго лессировать градиенты. Во-вторых, это кисть имеет ворс и получается приятная "не замыленная" структура мазка, как если бы я рисовал Airbrush в Шопе. Правда, за это приходится расплачиваться серьезными требованиями к железу, но оно того стоит.

Вопрос: Как в painter'e установить расширение/сужение кисти, и сотв. fade in/out? Я нашел только зависимость от скорости курсора и силы прикосновения(что для мышки неважно). А от времени, как в фотошопе, тут нету зависимости?

И еще painter 7 от 8 сильно отличаются?

Ответ: Все настройки для седьмого Паинтера доступны из меню Brush Controls. В восьмом это называется Brush Creator и достать его можно кликнув на черный треугольник в верхнем правом углу. В открывшемся меню - Edit Variant.

В общих чертах, Painter 7 и 8 очень похожи. Corel изменил идеологию интерфейса, сделав его подобным своим продуктам. Кому-то он стал напоминать Photoshop. Появилась возможность смешивать краски на импровизированной палитре. Инструменты теперь попрятали так, что понять, кто из них кто, надо постараться. В общем, эргономически новая версия вышла очень спорная. Рисование, как всегда осталось в руках художника, за что Corel большое спасибо.

Вопрос: Давно хотел спросить (мимо твоих/ваших работ пройти в сети просто невозможно) как ты учился?.. На что смотрел, где черпал вдохновение..
К сожалению в Школу в обозримом будущем мне не попасть, но я очень хочу научится рисовать руками. Я пытаюсь рисовать простенькие натюрморты, но никак не могу начать создавать что-то абстрактно-концептуальное.. Может быть все дело в личных талантах, но в тридешке у меня получается делать что-то свое..
Что можно посоеветовать после рисования кубиков и цилиндриков?
еще в кучу вопрос: сильно ли отличается рисование на копьютере от рисования на бумаге?

Ответ: Постараюсь ответить полно, содержательно и, по возможности, оптимистично. Я не претендую пророческие утверждения, но есть несколько вещей, понимание которых мне очень помогают.

Рисунок можно разделить на две стадии. Понимание композиции и технические приемы. Могу предположить, что в тридэ прогресс быстрее, потому, что тебе не приходится тратить время на ручной рендер. Это техническая сторона рисунка и тут нет лучшего совета, чем практика и наблюдательность. Второй вопрос это композиция. Вообще, композиция давно уже четко формализована и есть список правил, которые есть в учебниках. Если их соблюдать то получается гармонично при любых условиях. Рекомендую пойти в любое учебное заведение и выпросить там учебник, но при этом попросить порекомендовать самих преподавателей. Содержимого там немного и прочесть можно быстро. Если просто следовать правилам, то выйдет назло неумению. Даже если стараться, то плохо не получится.

Композиция ключ к пониманию арта.

А вот отличается-ли компьютерное рисование и работа на бумаге. Да и не в лучшую сторону. Проблема компьютерного рисунка в том, что ты не видишь лист целиком. Ты все время вынужден елозить по нему смотря в окошко монитора. Кроме того, у трубок на мониторах неравномерное изображение - картинка растягивается к краям, а это приводит к ошибкам в пропорциях. Сделай в Шопе, к примеру, белый квадрат на черном фоне и потаскай его от центра к краю - увидишь, как он будет растягиваться. Решение - покупка жидкокристаллического монитора, но тут ты получишь проблему с цветопередачей. Плюс, никогда не уверен какой же цвет ты берешь для работы. Мониторы-то у всех настроены по разному. Компьютерное рисование технологично и удобно, когда нужно быстро, что-то сделать. Я пришел к выводу, что эскизирование на бумаге дает преимущества в композиции и контроле пропорций. А вот раскрашивать уже удобнее на машине.

По поводу того, как я учился. Тут нет тоже никакого секрета. У меня родители художники. Матушка, долгое время работала в драматическом театре, а отец был просто художником. Правда, я его совсем не помню - мои родители развелись, когда мне было четыре года. Отчим у меня актер. В 10 лет я поступил в художественную школу, где проучился 6 лет. Потом я поступил в Амурский Государственный Университет на факультет Искусств, кафедра Дизайна. Параллельно у меня было много практики на телевидении и рисования.

Начинал с того, что смывал краску со старых афиш и грунтовал их заново. Это все, что мне доверяли. Постепенно я пробовал разные околохудожественные профессии и обучение шло, как-то само по себе. Много ездил с родителями по стране. Гастроли театра это похоже на катастрофу, с которой ничего нельзя сделать. К сожалению, из-за этого у меня было мало друзей среди сверстников. Сложно заводить близкие отношения, когда ты живешь в одном городе меньше полугода или даже месяца. Сейчас я понимаю, что это заставляло меня искать развлечения самому. Много работал дома. Домашняя обстановка и друзья семьи оказали на меня глубочайшее влияние.

Сейчас отличное время. Много литературы, много интернета, множество безумно талантливых авторов - учись, не хочу. Если бы только хоть половиной того, что есть сейчас, я обладал в годы ученичества. Эх... такие дела.

Я считаю, что надо реальные задачи и много практики. Под задачами я имею в виду не абстрактную тренировку, а заказчиков. Им вечно надо не то, что у тебя получается лучше всего. Все это дело должно стоять на теории и опыте поколений. А все остальное приходит само по себе. Мне кажется, что в нашей стране, какая-то странная ментальность - всех победить. А вот получается, как всегда. Потому, как народ у нас немножко ленивый. И не надо засиживаться по ночам - здоровье надо беречь. В общем, я прочитал все выше сказанное и еще больше утвердится в выводе, что надо просто работать. Со вкусом и интересом.

Вопрос: Я вот посмотрел твой тутор, тот где ты за два часа нарисовал героя из Дьяболо 2, Тираэля, если я не ошибаюсь. Там ты рисовал не по принципу "от общего к частному", например есть момент, когда ты прорисовываешь руку и торс до почти финального варианта, причем весь остальной лист фактически пустой. Чем обусловлен такой подход, скоростью? Иди ты всегда так рисуешь?

Ответ: Этот туториал и не туториал вовсе. Я его рисовал просто в удовольствие и изначально даже не планировал никому показывать. Мы с моим хорошим приятелем соревновались на скорость и скрипт-то записывали, чтобы просто повыпендриваться друг перед другом.

Так что этот скрипт ничего не показывает, как обучающий. По большому счету, мне все равно откуда рисовать, если понимание формы уже сложилось. Обычно меня больше или меньше привлекают, какие-либо части рисунка. Скажем, рисуя женскую пластику я буду с большим вниманием относиться к ней, чем к каким-то фрагментам на фоне. Я не знаю, что меня торкнуло в тот момент. Может меня привлекли блики, может я старался контролировать освещение. Традиционно внимание к рукам и лицу вытягивает почти весь рисунок. Это фрагмент психологии зрителя, которого привлекают знакомые элементы в рисунке. Если автор работы находит такие элементы, то их количество и трактовка будут определять длительность прочтения рисунка.

Аккуратность мазков, складки или текстурирование в рисунке интересно только зрителю. Работать над ними - сущее наказание для художника. Обычно, я рисую сначала все самое вкусное, а каторгу оставляю на потом.

В паре слов - как получается, так и делаю. Но вот грамотный подход, конечно же, только от главного к второстепенному. Именно поэтому, я делю рисунок на три стадии: легкий линейный набросок, чтобы определить пропорции и композицию, второе - заполнить цветом работу без мелких деталей, чтобы определить направление на источники света и колорит, а потом уже деталировка и мелкие выпендроны. Даже не стараясь привнести подобный подход специально, я все равно работал по этой схеме.

И настаиваю, чтобы все работали именно так. Человек не машина, он не в состоянии контролировать все на свете, к сожалению. Все эти правила сделаны исключительно для удобства, а не для того, чтобы поиздеваться над учениками.

Вопрос: Мне нравится, как в Open Canvas автоматически смешиваются цвета прилежащих мазков. Можно ли настроить кисточку в Photoshop 7 таким же образом?

Вопросы к Anry о смешивании цветов в его видео 'tyriel_knight_techsmith':

Когда Вы в начальной стадии рисунка заполнили весь холст цветом, каким образом осуществлялась подборка цветов; была ли заготовлена заранее палитра, или Вы просто каждый раз на глаз меняли hue, brightness и saturation?

После того, как первый слой холста был написан, Вы стали сглаживать границы между индивидуальными мазками, особенно на плаще ангела. Был ли для этого использован какой-то специальный инструмент Painter'a? (Я не имел возможности попробовать Painter).

Ответ: В Шопе этого сделать нельзя. Стандартные кисти в Шопе работают только методом лессировки, т.е. накладываются друг на друга по уровлю прозрачности.

Тем и ценны программы подобные Паинтеру, что они могут перемешивать виртуальный аналог краски. В том видео, о котором идет речь, не было блендеров. Весь рисунок сделан Round Camelhair, что демонстрирует преимущество подобных кистей.

Мне сложно рассуждать о правильности выбора цветов или подобные темы. Любое решение, которое я принимаю пока делаю работу основано исключительно на колорите и композиции, которую я заранее для себя определяю и двигаюсь в пределах этого решения. Если у меня отключается голова и мне вдруг хочется выбрать какие-то цвета "с потолка", то я просто себе запрещаю. Никакого личного выбора или предпочтений. Строго по правилам.

Хотя, есть один цвет, который я не выберу, если ко мне не приставить пистолет к виску. Это яркие оттенки желто-зеленой гаммы. Я нахожу их омерзительными и всячески стараюсь избегать.

Вопрос:
1. Как слить 2 слоя, не сливая их с канвой. Уже и группировать их пробовал и справку читал, не-а. Один слой - "Default" второй - "Multiply". Причем слоевая команда collaps не доступна никогда.
2. Кто в 8 Пэйнтере нашел, как в один щелчок/одну клавишу сменить кисть на резинку или другую кисть. Или может можно сдублировать панельку инструменты?

Ответ: Слить слои с разными composite методами в Паинтере нельзя. Это искусственное ограничение сделано, чтобы нельзя было получить ошибку в смешении.

Приведу пример. Есть три слоя. Первый слой имитирует основу. Предположим, это трава. Вторым сделаны тени и он переведен в метод multiply. Поверх идет третий слой, который (предположим), дает свечение росы и он hard light. Мысленно представим себе, что думает о наших слоях программа: берем диффузную составляющую цвета, смотрим в альфу, вычитаем альфу из первого слоя, смотрим на второй слой, вычитаем его из первого, смотрим в альфу - складываем, третий, умножаем на результат, смотрим в альфу, рисуем на экран. Цепочка грубая, но суть отражает.

В результате, диффузная составляющая первого слоя изменяется согласно алгоритмам двух верхних методов. А теперь представьте, что будет если верхние второй и третий слои не имеют под собой первого слоя или альфа там равна нулю. Программа смотрит на canvas и проделывает с ними те же трансформации. Т.е. берет диффузный канал из основы. Все это будет работать пока пиксельные массивы данных о цвете определены несколькими слоями.

А теперь представьте, что у нас нет диффузного цвета в слое и мы хотим объединить слои вместе. Все значения это просто битовое разрешение которое программа берет из пикселов других слоев. Программа не может хранить в одном пикселе значения разных методов смешения и поэтому запрещает подобное условие, так как данные просто пропадают. С нулем ничего нельзя сделать и разработчики софта это просто взяли и запретили. Единственный выход в таком случае последовательно бросить все слои на канвас начиная с первого.

Как это решено в Шопе. Там система несколько более элегантная, но не без недостатков. Диффузная составляющая берется из результата смешения, но если методы остальных слоев не совпадают с выделенным в цепочке линков, методы игнорируются по альфа-каналу. Как результат мы получаем один слой с правильным результатом, но только по альфе. Отличная идея, не понятно, почему это не сделали в Паинтере.

Так что ответ прост. Если composite метод в Паинтере не Default, то ничего не выйдет. Система сразу маркирует его знаком "!". Можно не пытаться.

Brush Tacker нужен не для этого. Это модуль позволяющий программе адаптировать атаку пользователя на перо в комфортных значениях min/max pressure. Т.е. если пользователь чувствует, что ему приходится слишком сильно давить на перо или ему не нравится, что оно наоборот, реагирует слишком чувствительно, можно задать эти пороговые значения.

Надо провести непрерывную линию начиная с комфортного минимального нажатия, до максимального. Система это запомнит и будет каждый раз сдвигать значения min/max pressure заданные в драйверах. Индивидуально под предпочтения пользователя.

То о чем идет речь, называется Auto Build Brush. Если эта опция включена, то каждый раз при изменении настроек в инструментах программа будет писать их в профайл конструктора кистей. В противном случае она их будет сбрасывать на заданные default.

Вопрос: Суть проблемы в следующем:
Создаю в Паинтере новый прозрачный слой, начинаю мазать "Камельхаиром", а она при слабом нажатии льет белый цвет. При сильном нажатии как положено начинает лить основной. Но я не могу понять, откуда берется этот так не не нужный белый? Или может я что-то не так настроил?
Анри, подскажи как настроить Паинтер так, чтобы "Камельхаир" мазала от прозрачного к основному (в зависимости от силы нажатия).

Ответ: Проблема решается так:

В меню Layers есть флаг "Pick Up Underlying Color". Когда Паинтер включает кисти, которые смазывают основу, он по умолчанию пытается взять цвет из текущего слоя, а так как в этом слое ничего нет, то он берет текущий цвет - тот цвет, который задан вначале, как цвет canvas. Его не видно только потому, что альфа прозрачная, но он там есть. Включи этот флаг и все исправится - он будет брать цвет из результата нижних слоев.

Вопрос: По настройке Фотошопа уже писано-переписано куча статей и книжек, а вот по Паинтеру что-то ни чего путнего не нашел.
Анри, помоги новичку Поделись особенностями работы с Паинтером. Наверно не мне одному это будет полезно почитать. Конечно понимаю, там наверно целая статья получится. Ну, хоть в кратце

Ответ:
1. Во-первых, надо пойти в edit/preferences/windows и проверить выделение памяти. Надо переключить half на maximum.

2. Далее edit/preferences/undo - переключить 5 на 32.

3. Edit/preferences/brush tracking - настроить комфортные значения min/max pressure.

4. Edit/preferences/windows - включить no device depended bitmap. На некоторых видеокартах убирает проблемы с некорректной цветопередачей. Паинтер работает в собственном цветовом пространстве - printable color.

5. Edit/preferences/palettes - убрать из интерфейса все ненужные меню.

6. Проверить значения Feature в Brush Controls. Чем оно меньше, тем большая производительность требуется для кистей, которые из продцедурного ворса. Например, тот же Round Camelhair.

7. Edit/preferences/function keys и повесить самые часто используемые операции. Я тут же делаю Fit Size на F11.

8. Соль и сахар по вкусу.

Вопрос: Анри, насколько я знаю ты профессионально занимался иллюстрированием (если не ошибаюсь книги Перумова, Лукъяненко и наверняка другие), и использовал в работах фотографии.
Поэтому хочу спросить как эксперта
1. насколько распостранена эта практика
2. в каких "областях" это позволительно
3. личное отношение к вопросу

Ответ: Это древний вопрос, должен-ли человек, который рисует, пользоваться натурой (фотографиями) или нет. Корни его растут из коллекционной стоимости работ - когда человек делает шум из мазков, получается некая уникальная комбинация, которую можно расценивать, как единственно возможное произведение. Т.е. если два автора сядут и сделают один и тот же рисунок, на заранее определенную тему и одним материалом, и при этом договорятся о идее, то рисунки будут иметь очень низкую цену. Понятие коллекционной стоимости пропадет. Алмазы и картины Пикассо стоят так дорого не потому, что они удивительно красивы, а потому, что они редки. Любой, кто видел алмаз в оправе скажет, что его очень сложно отличить от куска хрусталя или подкрашенной чешской бижутерии.

Это о том, откуда ноги растут. Поэтому когда делается рисунок по фотке к нему можно относиться, как к еще одному повтору. Здесь нет никакого плагиата. Просто рисунок ничего не стоит.

Явление срисовок с фотографий сейчас приобрело очень массовый характер. Так проще. Ничего не надо знать. Не надо думать. Взял Шоп, немного научился работать блендерами и вперед. Только вот у таких "авторов" и выходят рисунки одинаковые, как с конвейера. Гуро правильно пишет. Если человек не понимает сути профессии за которую взялся он понаделает ошибок там, где рисунок заставит его думать. Иначе, за него думает фотка. Сейчас я могу взять любой рисунок, и посмотрев на него, аргументировано выделить в нем все элементы, к которым автор не имел отношения. Каждая вторая картинка в сети (у начинающих авторов, естественно), которая выставлена на сетевых галереях содержит, или имела фотки в основе. Ну может не каждая вторая, а третья, что сути не меняет.

Поэтому, когда просишь такого "ретушера" сесть и решить изобразительную задачу, он садится в лужу. Законов он не знает, про перспективу только слышал, если нет под руками текстурных клипартов или интернета, задача просто не будет решена. Так что это вопрос личного профессионализма.

Обрисовкой фоток болеют абсолютно все. Слишком велик соблазн поддаться на искушение и решить залпом большую проблему. У одних этот период быстро заканчивается, так как просто становится не интересно работать. Другие строят на этом работу. Сейчас, к примеру, для кино требуются частенько, так называемые matte-painting. Не нужно заблуждаться, что это все нарисовано. 99 процентов поверхности полотна это фотографии. В противном случае человек просто не дотянет нужную детализацию текстур. Абсолютно все художники, которые работают для кино, используют в этих работах фоты. На их основе строятся текстурные кисти, фоны, фрагменты скал с индивидуальной структурой. Потом эти фрагменты многократно копируются, вращаются, портятся всевозможными фильтрами. Для большинства этих рисунков используются перспективные трехмерные болванки, чтобы попасть в ракурс и т.п.

Если спросить, что же там художественного, то ответ будет прост. Колорит, дизайн и композиция кадра. Вот их, как раз и требуют от художника - это такая профессия разбираться в композиции и уметь ее применять. Если при этом художник еще и умеет работать с материалами, понимает что такое освещение, умеет самостоятельно имитировать текстуры, на лету строит человеческое тело в перспективе, то тут ему просто цены нет. Таких людей на планете - единицы.

Примером гиперреалиста (так называется направление в рисунке), может быть Карл Брендерс. Он анималист. Рисует животных. Так вот последние его работы просто невозможно отличить от фотографий. Он использует в работе референсы (отснятые фотографии, которые он делает сам путешествуя по миру), но ни у одного человека не повернется язык, сказать, что его трактовка образов и композиции не стоит внимания. Я прицепил одну из его картин к этому посту. Все фрагменты имели референсы. Рекомендую поинтересоваться автором и задать себе вопрос - хорошо это или плохо?

Я тоже отболел в свое время шопским безумием. Я художник традионный, станковый, так сказать и пришел в компьютерную графику почти готовым специалистом. Все примочки на машине на меня действовали мгновенно и приводили в неописуемый восторг. Иллюстрации к книжкам, частично, зацепили этот период безумства и поклонения компьютерам. Издателям очень нравилось, когда бралась текстура скалы, к примеру. На книжке это смотрелось весьма убедительно, а я в ту пору был еще зелен, чтобы понять, что это убивает меня, как рисовальщика. К художнику это никакого отношения не имеет. Художник, как я уже говорил это композиция. А ее просто так не сдуешь у другого, тут надо соображать.

Я только высказываю свою точку зрения. На мой взгляд работать с живой натурой в миллион раз интереснее. Развивается глазомер, чувство пропорций, аккуратность и еще куча разных навыков. Возникает некоторая интерпретация образа, которую сам себе позволяешь. Плюс общение... бла-бла-бла...

А когда работаешь с фото... тут все рафинировано и тупо. Оно не вертится, не мешает тебе, все там уже решено со светом... скучно. Но тут надо понять, что работать с натурой это означает иметь собственную мастерскую или иметь постоянный доступ к телу модели. А это дорого. Не у всех получается. Плюс надо платить не только за место под солнцем, а еще и самой модели. И корить человека за то, что он не может себе позволить комфортные устовия работы, по меньшей мере глупо и жестоко. Да пусть работает, как получается. Главное, чтобы он сам ставил себе задачи и учился, а не просто срисовывал уже готовые решения. А если есть прогресс, то тут и обсуждать нечего.

Но рисование с натуры это не отменяет, а наоборот, должно поощрять. Носить с собой маленький блокнот и карандаш, не велика тяжесть. А людей вокруг нарожалось шесть миллиардов.

Маллинз занимается matte-painting, а там фотки это часть производства. Без них нет этой работы. Он привносит в них художника, настолько насколько может. Уверен, что он рисует просто отлично, просто это другая часть его работы, которую тоже, кто-то должен делать.

Ответы на твои вопросы:

1. Распространена и имеет почти 99 процентный характер. Почти все классические художники перерисовывают персонажей из модных журналов. Я с этим столкнулся, когда работал с издательствами. Я был в шоке.

2. Это позволительно везде, где это надо. Например в кино. В рекламе, когда надо, чтобы было АБСОЛЮТНО узнаваемо. В трехмерной графике. Ну не заставлять же тридэшников рисовать текстуры кирпичей и лица.

3. Сейчас мое отношения к фоткам в рисунках безразличное. Это бесконечно скучно. Я считаю, что авторские работы должны быть рисованными "из головы", чтобы дать рисунку эту самую коллекционную стоимость - иметь тот уникальный набор мазков, форм и пятен, которые бы позволили его трактовать именно, как авторское произведение, где нет ни одного чужеродного фрагмента. Мне очень нравится возиться с пластикой линий, с текстурками, приделывать или убирать разные завязочки, рисовать волосы, словом ползать по рисунку до тех пор, пока мне не надоест. Это обычно и есть завершение работы.

Работа с фотографиями это просто ужас в который впадает любой автор, когда понимает, что все текстуры ему придется делать самому. Лень и безалаберность. Нежелание трудиться и думать. Корень зла именно в них, а не в фотографиях, которые ни в чем не виноваты.

Вопрос: Анри, я понимаю, что у вас работа и что возможно у вас нет времени на подобные вопросы, но если вдруг вы освободитесь, то не могли бы вы рассказать как вы работаете с цветом?

Немножко поконкретнее задам вопрос, чтобы было понятно, что я имею ввиду: К примеру как вы выбираете оттенки для иллюстрации, как начинаете работать с ними, как выбираете цвет для картины в общем?

Ответ: Скорее всего, речь идет не о цвете, как таковом, а о колорите. Цвета предметов, в идеальном случае, должны быть такими, как в жизни. Насколько, конечно, это удается передать. Я считаю, что если отделить содержание от формы в рисунке, то любой художник движется по шкале от белого листа, до качества фотографии. Цвета предметов здесь соотносятся напрямую - чем ближе к фотореализму, т.е. "как в жизни", тем лучше. Колорит это тема, рассматриваемая в пределах дисциплины "Цветоведение". Это часть общей теории композиции в рисунке. Есть даже учебники, которые надо поискать.

Если описать мои мысли в нескольких фразах, то будет примерно следующее:

1. Я всячески стараюсь избегать сочетаний пронзительно желто-зеленого цвета. С годами, наблюдая за реакцией людей, я выяснил, что это очень дискомфортно для зрителя.

2. Сам рисунок, почти всегда должен быть отпечатан, поэтому мне поневоле приходится выбирать цвета, которые будут нормально смотреться. Это оттенки охристо-коричневой гаммы и серо-голубой. Если мне удается насовать этих цветов побольше в рисунок - я просто счастлив.

3. Каждый раз я думаю о понятии "доминирующего цвета". Т.е. это группа близких оттенков, которые занимают в рисунке больше половины площади. Все остальные цвета берутся уже из него, просто подмешивая в этот цвет нужные оттенки.

4. Если у меня на рисунке есть предмет контрастный по цвету к фону, я моментально делаю рефлексы от фона просто выбирая и подмешивая его в цвет предмета. В результате палитра смягчается. Т.е. доминирующий цвет влияет на весь рисунок. Предметы на фоне просто иногда заливаются 10-20 процентными слоями цвета фона. Наверное, с туманом можно провести аналогию.

5. Стараюсь разобрать рисунок на "цветовые пары". Есть несколько комфортных для меня сочетаний, которые я стараюсь поместить рядом. Например ярко желтый (почти оранжевый), и темно бордовый. Или светло-голубой и светло-розовый - для неба хорошо подходит. Эти пары часто не имеют никакого отношения к цветовому кругу, но исторически они мне нравятся.

6. Рисунку помогает принцип "контрастов и нюансов". Допустим есть пятно одежды и на нем яркая точка какого-нибудь украшения. Кулончик или браслет на руке. Или пасмурной ночью яркое теплое пятно маяка. Аналогия должна быть понятна.

7. Очень радуюсь, когда удается подобрать цвета, под настроение и соответствующие предметы. Холодную гамму под рисунки печальные, теплую - под радостные, если персонаж холерик - то ему пойдут растрепанные рыжие волосы и так далее. Попытки определить цветовым пятном отношение к предмету часто ему дают больше, чем даже его форма и прорисовка.

Сложно все уместить в короткий ответ. Таких пунктов, на самом деле больше, но большинство базируются на знаниях композиции. Ей надо уделять очень много внимания - это суть и основа любой артовой работы.